Andektig, sakralt og mektig

Bilde til høyre: Fra konserten med Torgeir Waldemar 20. mars 2022. Foto: Tormod Reiersen

Torgeir Waldemar – The Ballerina Session, konsert i Den Norske Opera og Ballett. 20. mars 2022

«So there'll be stabbings and shootings
And young men dying all around
And it keeps going through my brain
And I can still hear the sound»
-Link Wray, «Falling Rain»

Torgeir Waldemar åpner den nesten to og en halv time lange forestillingen på operaen i Oslo alene på scenen med en antikrigssang av Link Wray. Han sender raskt tankene våre i retning av Ukraina og grusomhetene som utspiller seg der. Jeg ser ikke ansiktet hans som er gjemt bak en stor cowboyhatt. Den mektige stemmen, den akustiske gitaren og munnspillet fyller operaen med vellyd. Dette er min første konsert i operaen – for et konsertlokale! Den første halvtimen er Torgeir Waldemar stort sett alene på scenen. Tuva Syvertsen er dog innom med fele og gir ekstra dynamikk til «Take Me Home».

Torgeir Waldemar mfl. Foto: Tormod Reiersen

En musikkskribent skrev en gang at dommedag aldri er langt unna i Torgeir Waldemars tekster, og det kan være derfor jeg blir sittende og dvele ved det som utspiller seg i Ukraina og setter flere av låtene inn i den konteksten. Vi får sanger om å forlate sine kjære, vente på et tog som skal frigjøre, krysse elva til den andre siden, og bønner til Vårherre om frelse og om å gjøre det slutt på lidelsene. Kanskje mer sørgesanger enn sanger til trøst?

«I'm on my way, across the river
I'm on my way, to the other side
But I can't compel the ground that shivers
Or salvation for you and I»
Foto: Tormod Reiersen

Etter vel en halvtime fylles scenen med rockmusikere og et strykeorkester. Vi begynner også å skimte noen dansere – hva er det som rører seg der? Danserne sender tankene mine etterhvert også i retning av slaver og straffanger, uten at jeg vet om det er tilsiktet. Utover i det første settet bygges intensiteten gradvis opp fram til pause. Det flotte strykeorkesteret bidrar med mer enn harmonisk godlyd. Her får de frem uroen som ligger under Torgeirs sanger. Etter pause er igjen Torgeir alene på første låt, «Bottom Of The Well», før vi får en urpremiere på en flott countrylåt som Charlotte Qvale synger hovedvokal på. Utover i andre sett skrues intensiteten til igjen, og det hele eksploderer i en rundt ett kvarter (?) lang «Black Queen» der det rundt 15 manns store orkesteret pluss tre dansere utfolder seg og skaper et inferno av støy og dans. Americana anno 2022! Så følger den beske politiske kommentaren «Sylvia (Southern People)», en sang som trolig opprinnelig er inspirert av Neil Youngs «Southern Man» og enkelte politikeres holdninger til syriske flyktninger:

«So how long will it last, Sylvia
Southern people need another leading man
You claim your faith, Sylvia
But your spirit seems so very dead.«

Helt til slutt roer Torgeir og hjelperne ned med strømløst sang med hele bandet. En ny bønn til Vårherre! Veien fra bibelen samt fortvilte salmer som «Jeg løfter mine øyne mot fjellene, hvor skal min hjelp komme fra?» er kort denne kvelden.

Torgeir Waldemar hadde jobbet med ideen om denne konserten i Operaen i tre år. Ved hjelp av mange gode medhjelpere, ikke minst orkesterleder Ole-Henrik Moe, oppfylte de drømmen om å gi oss enn opplevelse for historiebøkene! En flott og inntrykksfull kveld!

Torgeir Waldemars skygge. Foto: Tormod Reiersen

Livet etter stengetid

Vegard Hertzberg – «Lediggang» (album 2022)

Til høyre: Vegard og Johan på Herr Nilsen i Oslo, november 2021. Foto: Tormod Reiersen

I 2017 ga Vegard Hertzberg ut den rocka EP’en «Milevis fra mål»; hør blant annet den flotte «Trosbekjennelsen» derfra. Nå er han klar med en mer nedstrippet fullengder. Albumet er spilt inn i et soverom på Majorstua i Oslo. Soverommet har for anledningen blitt døpt «Studio Naboklage». Skal man dømme etter de visepregede låtene på albumet, skulle han styre klar av nettopp det, naboklager. Samtidig bærer navnet på studioet bud om det som er albumets største styrke; en interesse for språk og selvironisk humor.

Jeg så Vegard Hertzberg som oppvarmingsartist for Johan Berggren med bandet Innflytterne (nå kaller de seg Trøgstad Musikkompani) på Herr Nilsen i Oslo i november i fjor på det som ble en svært så lun og trivelig aften. Vegard fremstod som en mann med meninger, og det ble særlig fint da bandet til Johan kom inn, og Johan Berggren med stor entusiasme spilte andrefiolin. Jeg vet ikke om det er riktig å si st Johan spiller andrefiolin på albumet «Lediggang», men han bidrar som produsent på albumet, supplerer Vegard på gitar og krydrer med steelgitar, munnspill og tangenter. Christoffer Karlsrud Dahl (fra Johans band Trøgstad Musikkompani) spiller bass på «Ta vare» og «Bartender blues» og har mikset albumet.

Jeg kommer ikke unna å sammenlikne litt med nettopp Johan Berggren. Berggren han vel vokst seg så stor blant mange nå at han kan brukes som referanse? Både i rim og måte og synge på har Vegard noe Berggrensk over seg – sansen for den gode historien har de til felles. Tematisk har «Lediggang» også en del til felles med Johans «Lilyhamericana». «Lediggang» er fortellinger om rus og rotløshet, forteller Vegard. Utestedene er i ferd med å stenge, eller har allerede stengt. Hvor går veien videre denne natten? Vi introdusereres for temaet på den første låten «20-tallet»:

«Og det er noe galt, men det er helt normalt
Så det er kø på bedringens vei
Og det skulle bare mangle
Hvis du sjangler
Kan du støtte deg på meg»

Men det skal fort vise seg at låten og plata forsøker å gi oss noe utover drikkeviser:

«Nå må alle bli vant til
En usikker framtid
På jobber en robot kunne gjort
Greit å ha i mente
Hva enn vi har i vente
Vil tida fly forbi altfor fort»

Hvor går veien videre i livet? Økt automatisering øker produktiviteten i samfunnet, men samtidig faller flere utenfor.

Kassegitaren er det sentrale instrumentet på «Lediggang», og noen ganger det eneste. Men det er veldig fint når bassen til Christoffer Karlsrud Dahl understøtter på den fine «Ta Vare», og det krydres med et ømt munnspill. Kanskje er «Ta Vare» den aller beste låten – og teksten – på albumet. Som på flere av låtene får vi mange bilder på netthinnen – på det beste har sangene cinematiske kvaliteter. For vennene går livet videre, hovedpersonen sitter fast– «Hvor var det det egentlig det butta, hvor er det blitt av alle gutta?» som Lars Saabye Christensen spurte. Eller, Vegard har svaret:

 
«Martin og dama fikk flaks
En toroms på Kampen til takst
Og i forgårs
Var vi der på vors
Emma holdt seg til Pepsi Max»

På den rufsete og mer rocka «Bartenders Blues» krydres det ytterligere med slidegitar, mens det roes ned igjen på «Gangavstand». Igjen blir jeg slått av de gode formuleringene, og sangen fungerer godt den også:

«For vi har alt vi trenger i gangavstand
Brennevin og blandevann
Det er kort vei opp, men når du lever sånn
Er du et steinkast unna bånn»

Tekstene holder god klasse hele veien, og er ofte som musikk i seg selv. Jeg blir gjerne med på denne veien, enten det er til Vaterland, Grønland eller St. Halvards Plass. Kanskje blir universet litt lite, men samtidig evner albumet å si noe viktig innenfor de rammene Vegard har satt for prosjektet. Det er krevende å holde på lytterens oppmerksomhet med kun stemme og kassegitar, og det er veldig befriende når Johan krydrer med flere ingredienser. På «Bånsull fra en feiebil» nærmer vi oss selv med spartanske virkemidler irsk folkemusikk!

Alt i alt ei fin plate, med solide tekster, flere fine melodier og fin musikk. Jeg kunne nok ønsket meg enda litt mer av det fine musikalske krydderet – men å etterlate lytteren med et ønske om mer er bedre enn å overlesse. Vi får høre mer fra denne karen!

Og albumet slutter med et litt optimistisk skråblikk og leting etter meningen med livet dagen derpå. En enkel låt, kanskje. Men også en låt som setter seg fast og blir der etter at siste tone på albumet er spilt:

«Og noen jeg kjenner skal på demonstrasjon
For oljefritt LoVeSe eller væpna revolusjon
Jeg husker ikke riktig akkurat hva det gjaldt
Men det er søndag, jeg er åpen for alt»

Gill Landrys karrieretopp

Plateanmeldelse: Gill Landry – Skeleton At The Banquet (album 2020)

«The Golden garden of Eden/They poisoned the well/Weary from grieving/I’m lonesome as hell/Muttering things/That I could never tell/That for the place they call home»

Sangene på «Skeleton At The Banquet» ble til på et lengre opphold i Frankrike, skriver amerikanske Gill Landry på sine hjemmesider. Her skal han ha fått distanse til å skrive om en kollektiv hallusinasjon om Amerika, samt noen kjærlighetssanger. En hallusinasjon er en sanseopplevelse uten at det foreligger en ytre påvirkning av sanseorganet, så da antar jeg Landry vil klargjøre for oss hvordan Amerika virkelig er.

Kjærlighetssanger og sanger om Amerika

Kjærlighetssangene er av det triste slaget, må vite. Ja, ha det klart med en gang; plateomslaget og den lite harmoniske tittelen lyver ikke. Det Gill Landry så fra sin utsiktspost i Frankrike, ble det dyster musikk av. Jeg må innrømme at det ikke alltid er like klart for meg hva som er kjærlighetssanger og hva som handler om Amerika. Det skulle dog ikke forundre meg om Landry mener dette er to sider av nesten samme sak på enkelte av låtene.

Jeg så Gill Landry på konsert for rundt tre år siden, på en turné der han også spilte en hagekonsert ute i skogen på Skarnes! Den gangen lot jeg meg imponere over hans fantastiske gitarspill. Noe av det som imponerer her, er Landrys valg av instrumenter fra låt til låt. Dette får fram ulike musikalske perspektiv uten å ødelegge helheten.

På enkelte låter er det et munnspill, en gråtende steelgitar eller ditto elektrisk gitar som diskret fargelegger. På andre låter finner vi en nydelig trompet – ikke ofte jeg sier det om et slikt instrument – eller strykere som fiolin, cello eller kontrabass som forsiktig underbygger stemningen. Men instrumentene går aldri i veien for hverandre.

Sitatet innledningsvis er hentet fra «The Place They Call Home». En klar melding om at Amerika er ute av kurs. Jegopplever at budskapet er det samme på «Nobody’s Coming»: «Nobody’s coming/ We’re on our own/ Nobody’s coming/ But we’re not alone//If you want salvation/That you can trust/Nobody’s Coming/It’s up  to us».

Vi må ordne opp selv!

Man kan ikke vente på en frelser, vi må ordne opp selv. Like viktig enten det er for å få inn en erstatning for Donald Trump eller det er for å løse klimakrisen. Temaet er ikke langt unna i den suggererende «Trouble Town» heller: «More than nations will be broken/From barren deserts to dead oceans/The final word will not be spoken/On the road to trouble town.»

Kjærlighetssangene har nødvendigvis et litt smalere perspektiv uten at jeg blir direkte oppløftet. «I Love You Too» som tittel på en låt, kan kanskje gi forventninger om en lysere retning. Helt til vi får vite at dette var et uærlig svar på «I love You», noe som forårsaker et forhold som deretter går over styr, og det hele avsluttes med at joda, «I love you too». Men da er det for seint.

På flotte «The Wolf» og albumets fine, men svakeste låt, «Angeline», er tempoet skrudd opp et par hakk, uten at budskapet er mer oppløftende av den grunn. Som siste låt gir Gill Landry oss litt tid til ettertanke gjennom den flotte instrumentalen «Portrait of Astrid (a Nocturne»). Astrid er kanskje en skandinav?

Jeg har nevnt mange låter allerede. Jeg vil imidlertid spesielt trekke frem «In The Refuge Of Your Arms». En nydelig melodi. Av typen som sniker seg inn i hjernebarken og blir der. Den vil ikke gå igjen, men er heldigvis velkommen til å bli. Sangen kan like gjerne være uttrykk for en nasjon i krise som et forhold som sprekker. Ensomhet og knuste drømmer.

Leonard Cohen og Jackie Leven?

Enkelte har nevnt Leonard Cohen som referanse for denne plata. Jeg er ikke helt fremmed for sammenlikningen, albumet har mye av den samme stemningen som Cohens siste album. Sammenlikningen treffer likevel ikke helt. Landrys baryton har riktignok blitt dypere og dypere på de siste albumene. Likevel tenker nok jeg heller på Jackie Leven når jeg hører Landry synge. Tematisk var også Cohen ofte innom både vanskelig kjærlighet og verdens tilstand, jf. apokalyptiske «The Future». Cohen hadde imidlertid ofte et snev av ironi og humor i sine tekster. Det finner Landry lite rom for her.

Til nå har min favoritt med Gill Landry vært det selvtitulerte albumet fra 2015. Denne er minst ett hakk bedre! Der 2015-albumer nok var litt ujevnt fremstår «Skeleton At The Banquet» som en helhet av utelukkende gode melodier og tekster, kanskje med det ene lille unntaket. Men dette er ikke for folk med et svakt hjerte. Bokstavelig talt og i overført betydning.

(Tidligere publisert i Popklikk)

Insisterende og mektig

Kyle Jenkins – Meltdown (album 2018)

«There are vultures in the sky
They live on a lake of fire
A nursing home of denials
We live on a lake of fire
My country of denials»
- Kyle Jenkins i låten «Voltures»

Flere av låtene på Kyle Jenkins’ første soloalbum, «Meltdown» (2018) dveler ved de mørkere sidene ved samfunnet. Jeg oppfatter at han også stiller spørsmål som kan gå rett inn i debatten om hvordan vi skal stille oss til konflikter som utspiller seg i verden, eller for den saks skyld klimautfordringene, som i den sterke låten «Voltures», som denne artikkelens åpningssitat er hentet fra. «Voltures» er andre låt på albumet, en rocka og tøff låt.

Da har vi allerede blitt servert åpningslåten «See Saw», dumpehuske, en roligere akustisk låt med sparsommelig instrumentering. En låt om et forhold der hovedpersonene hele tiden er i utakt, slik jeg forstår den. Albumet «Meltdown» har både låter med utgangspunkt i samfunnsutfordringer og nære forhold, og kanskje er Kyle Jenkins mål med albumet nettopp å trekke paralleller mellom dem? På et av albumets nøkkelkutt, den fantastiske, til dels synthdrevne (?) «Sons & Daughters» er veien kort mellom det private og det universelle:

«We have build hurt out of homes
As we returned and turned to you
All your sons and daughters will burn to death
What will you do in the end
Will you close your eyes
Pretend»

Krevende saker, dystre perspektiver. Men også en oppfordring om handling?

Spenningen mellom natt og dag?

I gjennomgangen av Kyle Jenkins’ sololabum og album med bandet Suicide Swans hadde jeg én «dark horse». Jeg ga albumet «Meltdown» den laveste av karakterne i gjennomgangen, 6 1/2 av 10, samtidig som jeg var åpen om at dette albumet ikke hadde satt seg, at det kunne være jeg ville se annerledes på det om jeg tok meg mer tid. Og det har jeg nå gjort!

Bare noen måneder etter mesterverket «la Jungla» med bandet Suicide Swans ga Kyle Jenkins ut sitt første sololbum, «Meltdown», i 2018. Kyle Jenkins møter oss på albumcoveret med et mørkt uttrykk og doble øyner, og understreker også med dette at albumet «Meltdown» ikke er gladpop.

Kyle Jenkins er en låtskriver og universitetsansatt fra Australia. Han ga i fjor ut to sololbum og et album med bandet Suicide Swans, et band som nå går inn i en ny fase under navnet Mt. Morning. Han ga i fjor også også ut to bøker med låttekster, dikt, malerier, tegninger og kunsteriske collager. I forordet til bøkene omtaler Aleaxandra Lawson ham som særdeles produktiv kunstner innenfor flere kunstformer i tillegg til å være en akademiker og leder av et fakultet for visuell kunst på universitetet og en ypperlig lærer. Navnet på bøkene, «Night Rainbows», kommer av at mye av hans egne kunstneriske verker blir laget om natta når alle andre sover, og om «Meltdown» uttalte han følgende til nettstedet Amnplify:

«Rather it was about ruminations of the world that came from staying up late at night seeing all these horrible situations playing out in the world and feeling a deep seeded feeling of isolation, loneliness and sadness for what was happenin

Dette er selvfølgelig ord som er minst like aktuelle i dag som i 2018 – ikke minst for nordmenn – etter to år med pandemi og der meningsløs krig har rykket inn i vårt nabolag. Det er endog mulig at låtene tolket i en slik kontekst kan bli for sterke for mange akkurat nå. Så jeg gir med dette også en liten advarsel mot denne tolkningen og å grave seg for langt ned i de dystrere sidene av albumet. Og tolkningene av låtene er også opp til mottakeren. Mye stor rockmusikk lever da også i spenningen mellom det dystre og det livsbejaende.

Siste del av sitatet i Amnplifys artikkel tyder på at albumet på flere plan også har røtter i Jenkins personlighet: «The album is really about the tension between dusk and dawn – that fine edge of a moment when the day and night are at tension between each other. A feeling I seem to have as a person.»

Likevel, jeg føler at albumet er mer natt enn dag, og kanskje det mørkeste av alle album Kyle Jenkins har deltatt på. På «Dawned» ber fortellerstemmen sin kjære om å la de tunge tankene få fred, og minner om at de beste sidene av ham er de delene som er den andre, så det er elementer av håp i enkelte låter.

Variert plate som vokser. Og vokser.

Sangene spenner i og for over et vidt spekter. Sparsommelige låter med akustisk gitar og munnspill og låter også med trommer, piano, klokkespill, blåsere og synther. Men dette er først og fremst rock. Låtene fremstår ikke like umiddelbare og fengende som på «la Jungla» og albumene som skulle komme i 2021. Likevel har låtene smått funnet sin plass. Flere av dem insisterende. De slipper deg ikke før de har satt seg, og når de har satt seg, er det for sent. Det var aldri noen tvil om at jeg måtte tilbake til «Meltdown».

Det er ikke alle tekstene på albumet som kan forklarer og begripes med to streker under. Men samspillet mellom musikk, og og Kyles stemme gir akkurat nok holdepunkter til at sangene kryper inn i både hode og sjel. Én av favorittlåtene mine på albumet, «Ryas», er en forsiktig låt med nesten bare Kyle Jenkins stemme og en akustisk gitar. En fantastisk flott låt, som egentlig hodet forstår lite av. Så fortvil ikke om det er krevende aspekter ved albumet. Potensialet for at låtene vokser like mye på deg som de har gjort på meg, er bare desto større.

Mektig.

Karakter: 9,5/10.

Bilde av et kunstverk av Kyle Jenkins fra boka «Night Rainbows, part 2»

Redigert.